Bitácora de viaje entrega 6

 Bitácora de Viaje. Entrega 6

La arena fuera del reloj

Rafael Lozano-Hemmer. Exposición virtual: 

https://muac.unam.mx/exposicion/rafael-lozano-hemmer

La arena fuera del reloj es un memorial realizado por el artista electrónico Rafael Lozano-Hemmer en honor de las personas que fallecieron a causa de la pandemia de Covid-19 y que no pudieron tener ritos funerarios debido al confinamiento. Se trata de una reflexión en torno al carácter efímero de la vida y a la tragedia que este evento ha significado para miles de familias. La exposición virtual simula un reloj de arena que representa la brevedad de la vida, el programa dibuja los retratos  de los fallecidos y estos aparecen acompañados de mensajes de los familiares y/o seres queridos que son los encargados de enviar las fotografías, conformando así una experiencia interactiva. 

La instalación digital pretende rendir un homenaje a las víctimas del covid mediante una imagen efímera construida a partir de arena que recuerda la brevedad de la vida, así como el impacto de la muerte colectiva que nos afectó a todos directa e indirectamente. Fue presentado en el año 2020 como una forma de exponer los problemas que surgieron a raíz de los largos periodos de confinamiento, pretende que las vidas de los miles de fallecidos sean honradas y no solo se conviertan en cifras sin sentido o propósito. 

El concepto de los retratos breves nos recuerda que, aunque para los que nos encontrábamos encerrados el tiempo parecía haberse detenido, en realidad los que nos detuvimos fuimos nosotros, por lo tanto, también es un recordatorio de que la vida continúa a pesar de los problemas a los que el ser humano se enfrenta. El diseño de la página me parece sobrio, pero creo que esto ayuda a mantener el enfoque del espectador sobre los retratos y las dedicatorias que los acompañan; la exposición me parece bonita porque el trabajo en las fotografías logra a través del dibujo en arena una impresión profunda tanto en lo visual como en lo emocional.

Bitácora de viaje. entrega 5. Volverse Negro

Bitácora de Viaje. Entrega 5

Volverse Negro. Teatro Ojo

En el marco del Festival Internacional Cervantino 2020 y a partir de una residencia artística en el Centro de las Artes de Guanajuato en Salamanca Volverse negro presenta en un sitio interactivo reflexiones en torno a la aparición de un niño sentado en la cornisa del Centro de las Artes de Guanajuato. Se trata de un muñeco de grandes dimensiones que sostiene una flauta entre sus manos, mientras contempla la ciudad de Salamanca, el paso del tiempo, la vida. A través de textos y a varias voces se abordan diversos tópicos como el cambio permanente, Dios y los lenguajes del aire, la visión que otros seres sin lenguaje puedan tener del mundo, el petróleo como tiempo y como atmósfera, el muñeco lleno de abejas como Caballo de Troya: regalo y derrota, del valor del color y el sonido, pero también de su ausencia y contraparte: oscuridad y silencio… 

Las imágenes y videos enriquecen la narrativa, las fotografías ayudan al espectador a entender la inmensidad del horizonte, a soñar con el pasado, el presente y algún futuro (im)posible, a adentrarse en la visión del niño que, sentado en la cornisa, contempla la ciudad, mientras que el diseño gráfico nos permite interactuar, sorprendiéndonos a cada clic con una estampa distinta que nos remite a la riqueza de la imaginación que se nutre de la memoria, de la atmósfera y del tiempo.

La idea del niño contemplando la ciudad me parece una forma inocente de plasmar el paso del tiempo, creo que puede ayudar a plantearse reflexiones sobre situaciones que se viven de manera cotidiana pero también sobre temas mucho más profundos como la muerte, el propósito de la existencia y el futuro de la humanidad. Sin embargo, el contenido del sitio me pareció un poco confuso por el lenguaje empleado y el uso de metáforas, de modo que recomiendo verlo un par de veces con gran atención y con la mente abierta para entender los conceptos más abstractos.

Bitácora de Viaje. Entrega 4

 Bitácora de Viaje. Entrega 4

Tania Candiani

Salas 4, 5, 6, vestíbulo y terrazas

18.06.2022 — 27.11.2022

MUAC

Como el trazo, su sonido

La exposición Como el trazo, su sonido de Tania Candiani representa el lenguaje fónico a través de símbolos, dibujos, sonidos, palabras y más para hacer asociaciones discursivas con los significados. Ha logrado reunir un repertorio de piezas que manifiestan o aluden a la importancia que el sonido tiene para la expresión de la identidad tanto de la naturaleza y lo conecta con la importancia del sonido para la expresión de las emociones y pensamientos de los seres humanos. Aborda la importancia que tiene el agua para la supervivencia tanto de la sociedad 

Me llamó la atención la forma en la que la curadora planteó el discurso del sonido como una parte fundamental de la naturaleza y el uso que este ha tenido dentro de la historia del ser humano desde sus inicios como forma de expresión y como comunicación con otros individuos. Sin embargo, otras especies también emplean el sonido de formas peculiares; algunas de las piezas que más me llamaron la atención tenían que ver con la forma en que los animales utilizan ondas sonoras como forma de ubicación dentro de su entorno y también como forma de comunicación con su propia especie. 

El motivo de la exposición se logró plasmando el sonido, y el concepto de sonido a través de piezas que muestran o insinúan la trascendencia que tiene dentro de la vida del ser humano y para otros seres vivos con lo que convivimos en la misma naturaleza. 

Disfrute mucho de la exposición, particularmente la pieza Nombrar el agua (2019) que se inspiró en la tradición de una comunidad proveniente de la Cierra Huasteca al oeste del país, que consiste en que un día al año se nombren todas las cosas que existen para asegurar que no se rompa el ciclo del amanecer. La pieza se compone de aros de madera que contienen la palabra agua, se exhibe acompañada de un video en el que se muestra un chorro de agua acompañado por la voz de habitantes de grupos nativos que pronuncian la palabra agua en su legua local. 

Bitacora de viaje 3. Una modernidad hecha a mano

Una modernidad hecha a mano

Sala 9, Museo Universitario de Arte Contemporáneo

Diseño artesanal en México, 1952-2022 

La visita a la exposición Una Modernidad Hecha a Mano logra crear una conexión entre las artesanías tradicionales de los pueblos en Taxco y la modernidad. Se muestran prendas y tapetes, bordados con motivos vegetales y animales que representan la diversidad de especies que habitan esta zona, bisutería como aretes, gargantillas, brazaletes, tobilleras y anillos de plata o acero adornados con piedras preciosas, platos y vasijas de barro, piezas hechas de palmas, por otro lado, la modernidad es representada con muebles novedosos que recuperan estilos tradicionales y los reinventan.

Ciertas partes de esta exposición me llamaron particularmente la atención, la primera fue una estantería que contenía joyería con temas zoomorfos conectados con un diseño moderno que atrae la vista contemporánea por su carácter funcional, novedoso y atractivo.

El motivo de la exposición se logra aplicando técnicas tradicionales a piezas industriales. Las sillas de alambrón tienen una base de metal cortada y moldeada a máquina a la que posteriormente se le aplica un asiento y un respaldo hecho de palma tejida a mano, lo que les da el carácter tradicional.

Disfruté mucho de la exhibición, pues algunas de las piezas se asemejaban al estilo de muebles que decoran las casas tradicionales; asimismo, las piezas de vidrio tienen formas elegantes y estilizadas que le dan un carácter dramático pero conservador. También me gustó la conexión que se estableció entre las prendas decoradas con diseños de plantas y de flores y el empleo de colores brillantes para resaltarlos. En resumen, recomiendo ampliamente realizar la visita, pues creo que el estilo que se logra al aplicar técnicas modernas al estilo tradicional consigue piezas muy llamativas que representan con acierto el camino que el diseño artesanal en México ha recorrido en las últimas décadas. 

Bitácora de Viaje. Entrega 2. Un conejo partido a la mitad.

 La exposición del pintor mexicano Julio Galán presentada en el museo Rufino Tamayo tiene un nombre muy extravagante "Un conejo partido a la mitad" que se ubica en el museo Rufino Tamayo. 

En ella, Galán plantea un discurso que expone al pintor abiertamente como homosexual y también cuestiona el papel que tiene la identidad de género dentro del arte como modo de expresión. A diferencia de la anterior, disfrute mucho esta exposición, pues me permitió observar como el artista interactúa con el entorno dentro de la obra, tanto en la pintura como en la fotografía, jugando con los colores para expresar la violencia de género y represión sexual a la que se veía sometido. 

Galán se esfuerza por mantener sus obras sin una temporalidad definida, lo que le permite al espectador adaptar el portafolio a la realidad y contexto en el que vive. En sus obras tempranas trabaja con espacios que le eran cotidianos y familiares, representándose a sí mismo como un personaje fuera de lugar dentro de la misma narrativa de la obra. Utiliza la fotografía y el performance como vehículos conductores para dialogar con el género dentro de sus autorretratos.

El artista, a través de sus obras y muñecos, también discute con el creciente nacionalismo que ocurría en México en la época de los años 80, pues aborda los mecanismos de represión política que vivió a causa de la situación del país. Así mismo, su obra establece una crítica contra el estereotipo del hombre mexicano y el machismo en el contexto de su época, desarrollando un discurso contrario para exponer su inconformismo. 

Los juguetes que aparecen dentro de la siguiente sala son parte de la colección de Galán, un muñeco en específico, Morelio, es usado como el alter ego del artista y personaje principal en varias de las sesiones fotográficas que reflejan el conflicto que tenía Galán con el hecho de que sus padres no aceptaran su identidad sexual. 

Bitácora de Viaje. Entrega 1: Indumentarias para no desaparecer. Instalación escénica performática

El pasado sábado 20 de agosto acudía al Museo Universitario del Chopo para ver la instalación escénica performática "Indumentarias para no desaparecer" que se exhibió del jueves 4 al domingo 21 de agosto de 2022. Esta puesta se compone de una serie de prototipos de indumentaria como punto de partida del discurso entre lo real y lo ficticio para resistir la desaparición en el México actual. Aunque nos dejaron entrar en grupos pequeños, no pude observarla detalladamente, ya que los encargados nos hacían avanzar lo más rápido posible, por lo que preferí tomar fotografías para revisarlas después. 

La instalación abre con una muestra detallada de los documentos necesarios para comenzar con la búsqueda de una persona que se presume desaparecida; en una mesa se mostraban los prototipos para identificar a una persona desaparecida, y yo nunca había pensado que este proceso incluyera información tan minuciosa y específica, lo que me hizo pensar en cuán angustioso, doloroso y difícil debe ser reunir toda esta evidencia para los seres queridos de dicha persona.

En otro piso, el ver la ropa de las personas junto con una tarjeta que contenía el lugar y fecha de su desaparición acompañada de la voz de un familiar que relataba el evento, me hizo sentir muy triste porque la voz sonaba desesperada y desesperanzada.

En el tercer y último piso había trajes de cuerpo completo creados con la intención de hacerlos ver lo menos atractivo posibles para evitar un secuestro: color carne, con manchas para dar la impresión de que la piel tenía algún tipo de enfermedad, lo que les daba un aspecto horrendo, haciéndome pensar en lo mal que está la seguridad en el país y en los extremos a los que hemos de llegar para mantenernos seguros, pues es un hecho que para salir los accesorios y la ropa deben ser los más discretos posibles.

Personalmente la instalación no me gustó mucho porque las piezas expuestas resultan poco agradables a la vista, definitivamente me pareció relevante y muy recomendable pues muestra un lado de la situación actual en México del que muchos prefieren no hablar.